El cine es arte, lenguaje y medio de comunicación. El cine
habla por medio de imágenes, de los encuadres, de la palabra hablada, de los
efectos especiales, del montaje, del color y de los sonidos.
El lenguaje del cine se basa en la fotografía, en la música,
en la literatura, en el cómic y en todos los fenómenos artísticos. De la misma
forma, el cine influye en las demás artes, aportando sus formas de expresión.
El cine se expresa de múltiples y variadas maneras,
constituyendo así el lenguaje cinematográfico.
El lenguaje del cine parte fundamentalmente de cuatro
elementos básicos: la selección de partes de realidad, los movimientos, el
montaje y el sonido.
1.-ENCUADRE: La
selección de la realidad que se quiere filmar
Una
película se compone de fotogramas (cada fotografía encuadrada). Cada segundo,
pasan 24 fotogramas por la pantalla, lo que quiere decir es que la velocidad de
una película normal es de 24 imágenes (fotogramas) por segundo. Sin embargo, la
unidad básica del lenguaje cinematográfico es el plano, que se compone de
muchos fotogramas (selecciones de realidad).
Detrás
del objetivo, a través de un visor, está el ojo humano que opera siempre
selectivamente. Según la distancia y la inclinación de la cámara respecto del
tema filmado, obtendremos de una misma imagen real una muy variada gama de
resultados. La acción de seleccionar la parte de imagen que importa a la
expresión buscada recibe el nombre de encuadrar. Al encuadre se le llama
comúnmente plano
El
elemento básico, el más pequeño, para la toma de imágenes nace de la fotografía
y se denomina fotograma. El fotograma selecciona solamente la parte de la
realidad que puede abarcar el objetivo, que depende del ojo humano, de la
intención de quién filma. Se llama encuadre a la selección de la realidad
que realiza el fotógrafo o el operador de cámara. Según la situación en que se
coloque la cámara, distancia o ángulo de mira, la selección realizada, es
decir, el encuadre, puede variar sustancialmente la visión de la realidad.
Es importante, en educación, hacer ver el valor del
encuadre, pues al mismo tiempo que logra centrar la realidad para poderla
fotografiar o filmar, la limita, la restringe, lo que hace posible, para bien o
para mal, manipularla. La intencionalidad de quien filma o fotografía, se hace
realidad, en primer lugar, en el encuadre.
- ANGULACIÓN: Según el ángulo en el que
se coloca la cámara en relación al objeto.
Plano
en Picado:
Cuando
la cámara está sobre el objeto, en un cierto ángulo. El objeto está visto desde
arriba. Suele emplearse a veces para destacar aspectos psicológicos, de poder,
etc.
Plano
en contrapicado Al
contrario que el anterior, la cámara se coloca bajo el objeto, destacando este
por su altura.
Plano
aéreo o «a vista de pájaro».
Cuando
la cámara filma desde bastante altura: montaña, avión, helicóptero, etc.
Plano
frontal:
Cuando
la cámara está en el mismo plano que el objeto.
Plano cenital:
Cuando la cámara se encuentra en la vertical respecto del
suelo y la imagen obtenida ofrece un campo de visión orientado de arriba a
abajo.
La
cámara se puede colocar de muchas formas, invertida (salen los objetos al
revés), a ras del suelo (vista de oruga: pies de personas, ruedas de coches,
etc.)
-TIPOS DE PLANO
Plano general (Long shot)
Introduce
al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca
del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse
al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir
muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de
un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la
situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.
Plano
panorámico general:
Es una
filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán
menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de
lejos. Las personas se verán pequeñas.
Gran
plano general:
Es una
panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de
30 metros).
Plano
general corto:
Abarca
la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo
Plano
americano: Toma a las personas de la
rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las
rodillas.
Plano
en profundidad: Cuando
el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara
dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No
se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje
coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de
encuadre.
Plano
medio (Medium shot)
Limita
ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención
del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos
de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.
Plano
medio largo: encuadre que abarca a la
figura humana hasta debajo de la cintura.
Plano
medio corto (Medium close shot): encuadre de una figura humana cuya línea
inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y
directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla
con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del
espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también
muchos otros elementos significativos.
Primer
plano (Close up): encuadre
de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la
pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje.
Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los
objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los
detalles (ojos, boca, etc.).
Semiprimer
plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador en un
elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se
refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza
llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista
narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza
psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.
Gran
primer plano: cuando la cabeza llena el
encuadre.
Plano
corto: encuadre de una persona desde
encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.
Plano
detalle: Primerísimos planos de objetos o
sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.
Plano
sobre el hombro:
Cuando
se toma a dos personas en diálogo, una de espaldas (desde el cogote), y otra de
frente que abarca dos tercios de la pantalla.
Plano
secuencia:
Es una
forma de filmar, en el que en una toma única se hacen todos los cambios y
movimientos de cámara necesarios. El director no rompe el plano y
nos va mostrando poco a poco toda una serie de hechos. No suelen hacerse muy largos por la dificultad de rodaje que
entrañan. No obstante, hay planos secuencia memorables por su calidad, longitud
y anécdotas de rodaje, como el comienzo de Sed de mal (Touch
of evil 1958), de Orson Welles, o el de Matin Scorsese en Uno
de los nuestros. Aunque el más famoso es el caso del film La soga de
Hitchcock que posee un único plano, aunque falso, pues para realizarlo debía
hacer los cambios de rollo aprovechando puntos oscuros, como la espalda de un
actor, una columna, etc. No obstante, toda la acción acontece en un mismo
espacio temporal, el más largo que existe en el cine.
Plano
subjetivo o punto de vista:
Cuando
la cámara sustituye la mirada de un personaje.
El cine
no toma sólo imágenes. Filma sobre todo, movimientos. La gran fuerza expresiva
del film está precisamente en su multiplicidad dinámica, en los numerosos tipos
de movimientos que son posibles en él:
Movimientos
en la misma cámara
Capaces
de reproducir con exactitud el movimiento de los sujetos filmados: el paso
rítmico del film detrás del objetivo y del obturador. En los aparatos
primitivos, el arrastre del film se hacía manualmente. Era muy complicado pero
los operadores de cámara se convirtieron en verdaderos artesanos que lograban
en cada momento el ritmo y la cadencia adecuada a la escena filmada. Podían
exagerar en escenas cómicas o ralentizar en las dramáticas. Nacieron así dos
tipos de movimiento: cámara lenta y cámara acelerada. El «cámara lenta» se
logra acelerando la velocidad de filmación y ralentizando la de proyección. El
«acelerado» se realiza a la inversa. Muchos de los efectos especiales de hoy
día están realizados con estos criterios a los que se han aplicado las nuevas
tecnologías. El efecto “celuloide rancio”, de la velocidad de las películas
antiguas se debe a que se filmaron a una velocidad muy lenta y se proyectan con
motor a una velocidad constante, más alta.
Movimientos
de la cámara sobre sí misma
Otro
recurso del lenguaje cinematográfico es el movimiento de la cámara sobre sí
misma. Cuando la cámara se mueve para perseguir objetos o figuras. La cámara
gira sobre una plataforma esférica. Se logran así las panorámicashorizontales,
verticales y diagonales. Se busca así a los actores, se siguen sus movimientos,
con el fin de incrementar los espacios y las formas de ver la realidad. Gracias
a estos movimientos se hizo posible el ‘plano secuencia’, visto más arriba.
Movimientos
externos a la cámara
Cuando
es la misma cámara la que se desplaza. El movimiento externo de la cámara se
puede conseguir de muy diversos modos: mediante el travelling, con
la grúa o montando la cámara en un helicóptero. Así como las panorámicas se
mueven sobre el eje de la máquina, los travellings se hicieron
colocando la cámara en un carrito que se desplazaba sobre unos rieles. Vino
luego la transformación de la óptica variable, que permitió lo que se ha
llamado travelling óptico (zoom). Hoy, la liviandad de las cámaras
y la facilidad de su manejo permiten que el operador, a pie y cámara en mano,
siga al sujeto, lográndose efectos de un verismo sorprendente. La grúa tiene
la capacidad y versatilidad de realizar tomas verticales, desde la altura y a
nivel del suelo, y vistas aéreas. El helicóptero, por su facilidad de
movimiento en el aire sirve para recrear ambientes que de otra forma serían
imposibles: filmar grandes multitudes, espacios inmensos, batallas, etc.
*Diferencia entre travelling y zoom
Nunca debe confundirse un travelling con un zoom; sus
resultados son bastante diferentes. La diferencia que hay entre el zoom y el
travelling, es que el zoom distorsiona la perspectiva y comprime distancias,
mientras que el travelling no.
- Zoom.
El personaje se hace más grande dentro del cuadro, la relación espacial
entre el sujeto y otras personas o entre el sujeto y los objetos no va a
cambiar. Parece más artificial, porque no hay cambio de
perspectiva.
- Travelling. Cuando
hay un movimiento de la cámara, la posición relativa de todos los
elementos situados dentro del cuadro cambian constantemente. Esto crea más
dinamismo, por lo que cuando queremos subrayar el movimiento utilizamos el
travelling.
3.-EL TIEMPO
El
tiempo en el arte es algo muy relativo que se utiliza en función de la
comunicación. El teatro utiliza el tiempo a su gusto. Un cambio de escena, o de
acto, supone un cambio de tiempo o de lugar, que puede expresar el paso de
muchos años, o de pocos días, o de minutos...
La
ópera también suele utilizar los tiempos, al igual que el cine, con cierta
ralentización. Un actor puede cantar un aria completa mientras agoniza con el
puñal en el pecho. Un disparo en el cine impacta en el pecho de un actor y,
mientras este cae al suelo de forma ralentizada (que no les gusta a muchos
cineastas), reproduce toda su vida y da lugar a una película completa. Lo que
sucede en fracciones de segundo en la realidad, una película lo puede
representar en un largometraje completo.
Los
saltos en la cronología, las vueltas atrás en el tiempo, que tanto se han
utilizado en literatura y que son normales en le cine reproducen cambios
arbitrarios en la cronología que el lector, o el espectador, deben suplir para
la comprensión de la trama.
Una
película puede durar una hora y media o dos horas. Hitchcock en La soga
(Rope, 1948), lo hizo a tiempo real, durando la película exactamente lo
mismo que los acontecimientos que en ella se cuentan. No es lo normal, pues en
una película se puede condensar en muy poco tiempo la vida de una persona,
narrando acontecimientos que han tardado siglos en producirse.
Para
dar sensación de que pasa el tiempo los cineastas se las ingenian con infinidad
de recursos. Algunos de ellos dependen de la misma narración: el día va detrás
de la noche, una habitación muy desordenada va tras una gran fiesta....
Otros
son recursos de tipo técnico, como son los fundidos, las cortinillas o los
letreros.
En
todos los casos la acción, el decorado, los actores y su estado anímico, las
arrugas en la cara o la ausencia de éstas, los objetos o las situaciones han
cambiado dando la impresión de que el tiempo pasa.
La
sensación de que pasa el tiempo en una película, la puede recibir el espectador
de muchas formas. Burch las resume en cinco. La primera es la más primitiva de
todas. Una acción sucede a la anterior. La segunda es la llamada «elipsis».
Cuando la acción se abrevia economizando planos. Se ve el comienzo y el final
de una acción y el espectador supone el resto de los pasos intermedios. La
tercera se da cuando se suprime un espacio pequeño o grande del relato, se da
el principio y el final, pero el espectador recibe ciertas claves para entender
lo que ha sucedido, mediante frases u objetos. La cuarta es la que recurre a la
reiteración de parte de la acción para conseguir la sensación de que el tiempo
pasa. La última es recurrir a los «flashback» o «salto atrás», retroceso en el
tiempo, o a los «flash-forward» o «salto adelante. Una película clásica
es Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1940), de Orson
Welles, en la que se invierte y maneja el tiempo por medio de saltos
constantes. Ya la primera secuencia del reportaje sobre la muerte de Kane
prepara al espectador para enfrentarse durante toda la película con la
incógnita de su vida que se va desvelando en el espacio y en el tiempo.
Tiempo
real. El que tarda en ocurrir un
acontecimiento en la realidad. Una muerte en tiempo real vista en un noticiario
de televisión se desarrolla en fracciones de segundo.
Tiempo
fílmico. El que se produce por
manipulación para acelerar o retardar los acontecimientos, reproducir paso a
paso o cambiar el orden de los sucesos de cara a presentar al espectador una
visión intencionada y distinta del acontecimiento. La muerte citada
anteriormente, realizada a cámara lenta, puede hacer fijar en el espectador
detalles que facilitan la comprensión del mensaje.
Tiempo
de filmación. El tiempo que se tarda en
filmar, «rodar», una escena.
Adecuación: cuando el tiempo real y el
tiempo cinematográfico son los mismos.
Distensión: cuando el director alarga la
escena más de lo que dura en tiempo real. Así le da un tono más metafórico o
intenta que el espectador se fije más en los detalles.
Condensación: se suprime una parte del relato que el
espectador debe suplir con su imaginación. Se llama también elipsis.
Hacia
atrás y hacia el futuro en el tiempo: Con el «flash-back» (tiempo
pasado), se relata lo que ya ha sucedido. Con el «flash-forward» (tiempo
futuro), lo que está por venir.
4.-ESTRUCTURA NARRATIVA
Desde el momento en que se escriben el argumento y el guión
literario hasta el montaje definitivo de los planos rodados hay una
preocupación por dar a la película una estructura equilibrada y coherente, en
la que los elementos narrativos y visuales de la historia se vayan desplegando,
para conseguir entre todos un resultado donde nada sobre ni falte.
Tradicionalmente se distinguen tres momentos en el desarrollo de la acción:
- ARRANQUE: Es
el punto de partida, normalmente formado por una sola secuencia. En el hay que
presentar los personajes, los escenarios y los problemas y conflictos sobre los
que gira la historia. A veces su contenido es tan importante que se vuelve
decisivo para la comprensión del resto. Tiene el reto de interesar al
espectador desde el principio. Por ello tiene dos características
diferenciadoras:
-Carácter prácticamente visual, con muy pocos diálogos.
-Tensión emotiva.
- NUDO
O DESARROLLO:
Es la parte central, la más importante, la más larga y la
que más exigencias plantea. Formada por varias secuencias, en ellas se
desarrollan los problemas y conflictos presentados al arranque, desplegándolos
en todas direcciones, con un aumento progresivo de la tensión
El nudo culmina en un momento de corta duración denominado
clímax, en el que todas las líneas desarrolladas se encuentran y se concentran
en una situación de fuerte tensión.
- DESENLACE: Localizado a
partir del clímax, es el momento en que la acción, en un descenso progresivo de
la tensión, camina hacia el final. Es también el momento en el que aparecen los
elementos más personales del relato ya que para entonces los personajes han
desarrollado todas sus claves y el espectador tiene todos los elementos para
comprenderlos.
El desenlace puede concluir con un final cerrado, en el que
todos los problemas han quedado aclarados y resueltos, para bien o para mal.
Pero también puede darse un final abierto, en el que todo o
una parte decisiva queda sin resolver, siendo el espectador el que saque las
conclusiones.
5.- SONIDO
Desde
un principio los cineastas se propusieron que el cine, tan precario en sus
comienzos, se pareciera en lo posible al mundo real. Entre los primeros y
principales objetivos de los pioneros, estuvo siempre el de conseguir el sonido
y el color. En 1896, a menos de un año de la presentación del aparato mudo,
Edison patentó ya su Kinetófono, que combinaba la mecánica fílmica
con la fonográfica. Desde los primeros momentos la música era interpretada en
directo ante la pantalla. Personas especializadas, entre ellas «el explicador»,
contaban lo que sucedía y mediante artilugios hacían los ruidos, viento,
tempestades, trinos de pájaros y otros, que eran utilizados para una mejor
comprensión del lenguaje de las imágenes mudas. El sonido
aumenta la impresión de realidad. Dota al filme de continuidad sonora. Es un
mecanismo para conseguir unidad.
Clasificación de los sonidos
1. El ruido
Ruidos naturales.
Ruidos humanos.-
Ruidos mecánicos.
Palabras-ruido.
2. La música.
3. La palabra y los diálogos.
El sonido siempre existió en el cine. Lo que sucede es que
en la primera etapa del cine los espectadores no podían oírlo físicamente.
Tenían que leerlo, decodificarlo, interpretarlo a partir de los mecanismos que
los cineastas utilizaban...
• Intertítulos.
• Primeros planos de objetos que sugieren un determinado
sonido.
• Gesticulación de los actores.
• Lectura de labios...
Funciones de la música en el cine
1. Función rítmica
La música se emplea como contrapunto de la imagen.
La duración de la imagen y de la frase musical son exactas.
a) Reemplazar un ruido real.
b) Resaltar un movimiento de un elemento de la
acción.
2. Función dramática
La música se emplea como un elemento que puede ser útil para
que el espectadorcomprenda el significado de la acción
6.-- LA LUZ
La luz
es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay
cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos
psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera
de una película. En claroscuro está filmada, por ejemplo, El sur,
de Victor Érice.
En el
cine en blanco y negro lograron algunos cineastas como Eisenstein o Fritz Lang
dominar el mundo de luces y sombras, dando a la sombra carácter protagonista,
utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros. La niebla
y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las
sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes.
La luz
se convierte en protagonista en la película Lady Halcón (Lady Hawke,
1984) de R. Donner, llegando al máximo en la secuencia final, en el
eclipse, cuando al cambiar la luz por las sombras Lady Halcón se convierte, de
halcón, en persona. La utilización del color en cineastas de las últimas
generaciones, como Spielberg, que filma en blanco y negro, o revira al blanco y
negro tras filmar en color, mezclando algunos toques de color como el vestido
rojo de una niña y las llamas de una vela en La lista de Schindler o
determina el porcentaje de color al diez por ciento en Salvar al
soldado Ryan, (Saving Private Ryan, 1998) para crear la atmósfera de
horror hacia la guerra. Actualmente, en muchos casos, el cambio de color, o su
saturación e intensidad, se realiza por métodos digitales. Los operadores y
técnicos de fotografía saben dar a cada escena el tono, intensidad, o
saturación adecuada a la secuencia que se está filmando.
7.-MONTAJE
El
montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de
una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director.
La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el
sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.
En el
montaje se hace casi toda la película. Se cambian secuencias, se suprime lo que
no gusta, se añade o se acorta el ritmo.
Se
empalman, según el orden del guión, los fragmentos («rush») que
han constituido una filmación, ya que normalmente se filma en el orden que
marcan las circunstancias de dirección y producción o las debidas a la
disponibilidad de los actores y a causas climatológicas o de estación. Se
seleccionan, entre los diferentes fragmentos de cada toma procedentes del
laboratorio, los que se consideran mejores. El trabajo se efectúa en una mesa
de montaje provista de una moviola
Montaje
narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea
cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.
Montaje
expresivo: Cuando marca el ritmo de
la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el
suspense.
Montaje
ideológico: Cuando quiere utilizar las
emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.
Montaje
creativo: Es la operación de ordenar
sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso
cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación
totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la
obra fílmica.
Montaje
poético: Cuando se realiza como una
verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención
expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del
espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que
determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada
con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que
puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden
riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back,
o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.
- FOTOGRAMA: Es la unidad básica desde el punto
de vista físico. Las imágenes en movimiento no se pueden descomponer en
elementos menores.
- TOMA:
Es la unidad básica de filmación o grabación: el material que se registra desde
que se pone en marcha la cámara hasta que se detiene.
- PLANO.
Es la unidad básica de un relato audiovisual, formada por el grupo de
fotogramas de una toma que se aprovecha para el montaje. No se debe por tanto
confundir plano con toma, aunque a veces coincidan en la práctica.
- LA
ESCENA
Se denomina escena al material grabado o filmado que
transcurre en un mismo lugar o escenario, y en la que intervienen las mismas
personas. El concepto de escena tiene un origen teatral, etimológicamente la
escena era el lugar donde se situaban los actores para la representación.
En las producciones cinematográficas o videográficas, el
concepto de escena se maneja para subdividir la narración total en unidades
espaciales, más pequeñas, que permitan organizar el trabajo. Aunque la palabra
"escena" tenga connotaciones espaciales, se incluye su estudio dentro
de los elementos temporales porque no debe olvidarse que la acción transcurre
en el tiempo, independientemente de su ubicación espacial.
Una escena puede estar resuelta con uno o varios planos.
Cuando se resuelve en un solo plano estamos ante el anteriormente denominado
plano secuencia, escena o conjunto de acciones con una unidad de lugar rodada
en una sola toma, es decir sin cortar. El cambio de lugar o de personajes
dentro de un mismo lugar implica un cambio de escena. La escena tiene una unidad
de lugar, de tiempo y de acción.
- LA
SECUENCIA
La secuencia es un conjunto de planos que constituyen una
unidad dramática o un episodio diferenciable dentro de la totalidad del relato.
Hasta cierto punto una secuencia podría ser considerada como un pequeño, relato
o episodio autónomo dentro del total.
La secuencia es un conjunto que agrupa una o varias escenas,
es decir, puede desarrollarse en un mismo lugar o en varios diferentes.
Incluso, puede estar resuelta en un único plano, el llamado plano secuencia
anteriormente mencionado, en el que se da unidad de espacio, tiempo y acción.
Sin embargo, lo característico de la secuencia es la unidad narrativa, la
continuidad dramática, donde pueden variar los lugares donde se desarrolle, o
hacerlo en tiempos diversos.
SÍNTESIS DE LAS FASES EN LA ELABORACIÓN DEL PRODUCTO
AUDIOVISUAL
La elaboración de un producto audiovisual es una tarea
colectiva que pasa por diferentes fases y en las que se integran diversos
aportes profesionales y medios técnicos.
Las fases son las siguientes:
-GUIONIZACIÓN:
Partiendo de una idea original o basada en una obra
preexistente (novela, cuento, obra de teatro, otra película anterior) se
redacta una serie de documentos escritos para planificar la narración
cinematográfica: Guión literario y el guión técnico.
-PRODUCCIÓN:
Aceptado el guión por unos estudios o sociedad productora
(organismo que se encarga de financiar películas), se estudia a fondo el guión
para desglosar las necesidades de todo tipo que de él se deriven (equipo
técnico y materiales, personal técnico y actores, transportes y viajes, montaje
y sonorización, etc.), evaluando el importe económico que supongan dichas
necesidades antes de asumir su financiación.
- EQUIPO HUMANO
DIRECTOR: Es el último responsable de la realización de la
película, debiendo velar por el estilo, la unidad narrativa y los aspectos
estéticos. Tiene bajo su mando a todo el equipo técnico y es quien dirige la
interpretación de los actores. Puede tener diversos ayudantes, entre ellos un
director de actores, que le ayude en este cometido, haciéndoles ensayar la
interpretación y movimientos. A veces, sobre todo en televisión, se suele
denominar realizador.
SECRETARIO DE RODAJE O SCRIPT: Persona que debe
velar por el ajuste de lo rodado al guión de trabajo. Debe controlar los raccords de
todo tipo que puedan existir para garantizar la continuidad, llevar el control
de los planos rodados y los que se den como válidos.
FOTO-FIJA: Se encarga de tomar fotos que valgan de
referencia para mantener la continuidad entre las escenas, ayudando así al
secretario de rodaje o script. Las fotografías serán empleadas,
también, para la publicidad de la película y su documentación.
DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA U OPERADOR: Se encarga de la creación
del ambiente de la película a partir de la iluminación y las condiciones de
trabajo de la cámara. En el cine europeo puede incluso llevarla él mismo. Debe
velar, durante el proceso de revelado de la película en el laboratorio para que
se mantengan las características visuales y cromáticas buscadas. Tiene bajo sus
órdenes al equipo eléctrico.
CÁMARA, SEGUNDO OPERADOR, cameraman o
camarógrafo: Persona que se encarga del manejo de la cámara bajo las órdenes del
director de fotografía (cuando las funciones están divididas) y del director.
Puede tener un equipo de ayudantes que se encarguen del montaje y puesta a
punto de la cámara, de la carga y etiquetado de las bobinas de película, de
medir las distancias de la cámara a la película e ir ajustando el enfoque
(foquista), sobre todo cuando se realizan movimientos de cámara. Cuando se
trabaja con más de una cámara los equipos han de multiplicarse y coordinarse.
En los estudios de televisión hay un operador detrás de cada cámara, que recibe
las órdenes del realizador, situado en una sala adyacente ante una mesa de
mezclas de imagen (control de realización), a través de un sistema de
intercomunicación.
ELÉCTRICOS: Son los que se encargan del control de los focos
y de los aspectos técnicos relacionados con la iluminación. Suelen estar bajo
las órdenes de un jefe de eléctricos que se ocupa del emplazamiento de los
focos, siguiendo las instrucciones del director de fotografía.
MAQUINISTAS: Personas encargadas de montar y desplazar la
maquinaria auxiliar (trípodes, dollys, travelling, grúas...)
empleada durante el rodaje. El jefe de maquinistas es quien desplaza la
maquinaria, según las órdenes recibidas, durante los movimientos de cámara.
TÉCNICOS DE EFECTOS ESPECIALES: Se encargan de preparar los
materiales y dispositivos para la simulación de explosiones, incendios,
disparos..., necesarios en el desarrollo del relato durante el rodaje o de los
trucajes más elaborados que se realización en laboratorios específicos, bien
por medios específicamente cinematográficos o con ayuda de ordenadores.
TÉCNICOS, MEZCLADORES Y OPERADORES DE SONIDO: Se encargan
del registro de sonido durante el rodaje. Incluye desde el maquinista que
conduce la jirafa, caña o pluma donde va colgado el micrófono, hasta el
ingeniero de sonido, que efectúa el control del registro a través de una
consola de mezclas. En la fase de postproducción otros técnicos se encargarán
del doblaje sonoro, donde algunos diálogos pueden volver a grabarse, introduciéndose
también efectos y música. Todos estos sonidos, recogidos en diferentes pistas
sonoras, se mezclan convenientemente y se sincronizan con las imágenes,
dejándolos listos para ser incorporados a la película.
DIRECTOR ARTÍSTICO: Es la persona encargada de ambientar la
escena a través del diseño de los decorados, ayudándole en su trabajo el atrezzista,
que se encarga de los objetos necesarios para la ambientación, y el regidor,
que se encarga de conseguir los mismos en coordinación con el equipo de
producción. Bajo sus órdenes están los carpinteros de rodaje, pintores...etc
PELUQUEROS, SASTRES, MAQUILLADORES: Se encargan de conseguir
que el aspecto de los intérpretes se ajuste a lo especificado en el guión.
ACTRICES Y ACTORES: Son los intérpretes principales de la
acción.
ESPECIALISTAS: Sustituyen a los actores en la realización de
tomas donde se necesitan especiales habilidades físicas o se corre algún tipo
de peligro.
FIGURANTES: Personal secundario que interviene como comparsa
en la representación de la acción.
MONTADOR: Persona que se encarga de seleccionar, organizar y
ensamblar los diferentes fragmentos que componen una película en colaboración
con el director. En televisión se suele denominar editor.
- RODAJE:
Se registran las imágenes y sonidos a partir de los guiones
de trabajo y según la puesta en escena.
-MONTAJE Y POSTPRODUCCIÓN:
Se revisa el material registrado y se toman decisiones sobre
los fragmentos que se incluirán en el relato y su orden, reuniéndolo en un todo
global, que incluya imágenes sonido, efectos, títulos, etc. Tras esta fase, la
obra está lista en su apariencia final para su copiado y distribución.
